lunes, 24 de octubre de 2011

REM KOOLHAAS. ARQUITECTO HOLANDÉS


RemmetKoolhaas nació un 17 de noviembre de 1944 en Rotterdam, vivió cuatro años de su adolescencia en Indonesia. Al término de sus estudios escolares se dedicó al periodismo y posteriormente estudió Arquitectura en la ArchitecturalAssociation de Londres.

En 1975 estableció un despacho de arquitectura junto con tres socios, este lleva el nombre de “Office forMetropolitanArchitecture” (OMA).



Koolhaas es un arquitecto que proyecta edificios de clara consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter predominante.

En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón internacional más importante de arquitectura.



Actualmente el estudio OMA emplea a 100 arquitectos y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en todo el mundo. El más importante que se ha desarrollado recientemente es la nueva sede de la televisión China junto a un centro cultural, que suman en total 550.000 metros cuadrados, y que se ha construido coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Beijing en 2008.

Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha publicado varios libros. Entre los más importantes se encuentran: "S, M, L, XL", "Mutaciones", "Content" y "Delirious New York: A RetroactiveManifestofor Manhattan".




lunes, 17 de octubre de 2011

RENZO PIANO. ARQUITECTO ITALIANO


Renzo Piano (Génova, 1937) es arquitecto por el Politécnico de Milán. Tras haber trabajado en su época de estudiante para Franco Albini, en 1971 funda un estudio con Richard Rogers, con quien construye en Centre Georges Pompidou de París. En 1977 se asocia con el ingeniero Peter Rice, relación se mantiene hasta la muerte de Rice en 1993. Más tarde fundó el Renzo Piano Building Workshop, con despachos en Génova y París, donde trabajan unas 100 personas entre arquitectos, ingenieros, estudiantes y especialistas.

La arquitectura es un oficio de servicio, pues eso es lo que es: un servicio. La arquitectura es un oficio complejo porque el momento expresivo formal es un momento de síntesis fecundado por todo aquello que se encuentra detrás de la arquitectura: la historia, la sociedad, el mundo real de la gente, sus emociones, esperanzas y esperas; la geografía y la antropología, el clima, la cultura de cada país donde se va a trabajar; y, de nuevo, la ciencia y el arte. La arquitectura es un oficio artístico, aunque al mismo tiempo también es un oficio científico; éste es justamente su hecho distintivo.


Después de unos primeros proyectos que no pasaron de la mesa de dibujo, en 1971 ganaron un concurso que habría de cambiar sus vidas: la construcción del Centro Georges Pompidou en París. El edificio, como en el pasado ya ocurriera con otro símbolo de la ciudad, la Torre Eiffel, fue polémico desde un principio.

Para buena parte de la opinión pública, aquella enorme cápsula transparente que dejaba a la vista -hecho insólito hasta aquel momento- las tuberías, los conductos de ventilación y demás, se asemejaba más a una refinería que a lo que propiamente debía ser un centro de arte. Con todo, y a pesar de las voces contrarias y de las enormes dificultades técnicas y estructurales que entrañó la construcción del singular edificio, los trabajos siguieron adelante y en 1977 se inauguró con solemnidad de Estado.


Desde entonces, el Beaubourg -como popularmente se le conoce- se ha convertido en una de las principales atracciones de la ciudad. Prueba de ello son los más de 150 millones de personas que lo visitaron en sus primeros veinte años de vida y que obligaron a renovarlo a fines de la década de los noventa, en un largo y costoso proceso dirigido por el propio Renzo Piano.

Tales requisitos se solucionaron creando un edificio en el que los distintos volúmenes y planos se interrelacionaron entre sí y con el exterior a partir de una galería circundante. Con todo, uno de los elementos más logrados fue la cubierta de las salas de exposiciones, creada mediante un entramado de finísimas placas de hormigón que, a la vez que dejaban penetrar la luz solar, impedían que los rayos ultravioletas, dañinos para la conservación de las piezas, se filtraran en el interior.






lunes, 10 de octubre de 2011

ALGUNAS DEFINICIONES...

COLECCIÓN DE ROPA

Conjunto de prendas creadas por un diseñador con una coherencia interna en términos de estilo y destinada a una temporada del año en concreto.
Las colecciones se pueden distinguir también por
  • El público al que va dirigido: HOMBRE, MUJER, INFANTIL, ETC
  • La ocasión de uso de prendas: COLECCIÓN DE BAÑO, COLECCIÓN DE BODA, ETC

Las colecciones se presentan a los clientes en muestrarios o sobre maniquíes reales en poses de modelos o showrooms con objeto de promocionarlos para ser vendidas.




PERSONA CREADORA

  • Preferencia por la complejidad, personalidad psicodinámica mas compleja, mayor autonomía e independencia en la formación de juicios, dominancia, ascendencia personal entre personas, aceptación de si, autoconocimiento.
  • Capacidad de correr riesgos, apertura frente a nuevas experiencias, capacidad para jugar con elementos y tolerancia a la ambigüedad.




PERSONA CREATIVA

  • Ve la realidad de forma diferente, descompone una situación o problema de forma opuesta a la mayoría y halla respuestas o modificaciones novedosas.
  • Excéntrica, inconformista, individualista, sin interés por lo que no sea producto de su imaginación.
  • Exhiben una gran curiosidad intelectual.
  • Tolerancia hacia otras personas.
  • Tienden a la introversión, son independientes.




sábado, 1 de octubre de 2011

IMPRESIONISMO





El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

TECNICA Y ESTETICA IMPRESIONISTA

Colores puros
Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. 



Pincelada gestáltica
Los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac.

Forma
Los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.



Variantes en la estética impresionista
No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista.
Ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia.

ALGUNOS PINTORES IMPRESIONISTAS
  • Frédéric Bazille
  • Gustave Caillebotte
  • Mary Cassatt
  • Paul Cézanne (considerado impresionista, aunque más adelante dejará el grupo y se anticipará al Cubismo)
  • Edgar Degas
  • Armand Guillaumin
  • Édouard Manet (considerado el precursor por excelencia de la pintura impresionista)
  • Claude Monet (el más prolífico y quien más definió la estética del grupo)
  • Berthe Morisot
  • Camille Pissarro
  • Pierre-Auguste Renoir
  • Alfred Sisley
  • Henri Rouart
  • Joaquín Sorolla
Claude Monet

Paul Cézanne
Édouard Manet